談“夏午”
很多人好奇地問我，完成短片“呼吸”後，為什麼不拍長片而選擇再拍短片。其實那個導演會不想拍長片？從年輕的時候我一直就想拍長片，接受這個挑戰，只是苦無適合的機會。在“呼吸”後，我就開始籌備兩個長片計劃。一部是“台北星期天”，另一部是“Lonely Together”。籌備過程讓我覺得拍長片不能勉強。每個片子有它自己的時間。籌備長片計劃的過程也讓我不斷反思自己是不是己經準備好拍長片？雖然“呼吸”反應很好，入圍坎城影展，拿了些獎， 但這就代表我已經準備好拍攝一部長片嗎？我心裡還是不很踏實；我仍然覺得我是幸運的，或是只是時機好。
我必須拍另一部短片再度挑戰自己和磨練自己。
靈感：
我想試著用幾個長鏡頭說一個故事，一個在短短十五分鐘內發生的一個事件。我一直很想拍關於犯罪的故事。那時候，我從媒體讀到很多關於犯罪的社會新聞。這些真實社會事件都像電影故事大綱一樣戲劇化而令人無法置信，也讓我對身處的周遭現實反而覺得平凡到近乎不真實。大家真的都像表面上這樣理智和平和嗎？什麼時候會是平靜的臨界點？今天心裡的慾望掙扎什麼時候會變成明天的社會版頭條？
新聞報導的社會事件都是已經發生的犯罪行為。但是我非常好奇其實有多少在人們心中沒有實際做出的強烈犯罪欲望，這些欲望發生在人們心中的當下會是什麼樣子？
“夏午” 的故事就是這樣發展出來的。
黑白攝影：
多年前我在大銀幕看過青山真治(Shinji Aoyama)的《人造天堂》(Eureka, 2000)，對黑白寬銀幕的印象很深刻。黑白攝影的調性在這個時代有一種真實裡帶有虛幻的感覺，很像“夏午”的心理風格。我很想嘗試。但是現在全世界電影工業使用黑白底片拍攝的情形越來越少，甚至拍立得（Polaroid) 也已經停產。在台灣一般沖印公司並沒有黑白底片的存貨。有人建議我以彩色底片拍攝之後，再經過數位後期的方式將顏色抽掉成黑白影片；結果我還是堅持從國外訂購黑白底片來台灣，目地就是想單純使用黑白底片拍攝一部影片，而不經過任何數位製作過程。對於我個人來說，這也算是對黑白電影的致意。
因為第一次拍黑白，大家都沒經驗（除攝影指導Jake Pollock外）。我和工作人員開始一段漫長時間的測試與討論：包括什麼顏色的血汁在黑白底片下是最接近血色的？主要場景中的車應是綠色還是銀色，才能在整個黑白環境中呈現出最好的對比或層次？…服裝呢？化妝呢？因為最後的結果必需是豐富的黑白層次，而現場實景的拍攝準備都是彩色的。所以鏡頭內看到的細節都需一一確認。每看到一個畫面，腦中先要有一個黑白濾鏡，把現實中顏色帶給你的記憶及經驗全部忘記，重新建立。
寬銀幕：
好萊塢的電影（像“黑暗騎士”）常用寬銀幕來處理許多大場面的故事，讓事件不止是事件；而更像是一個公眾的災難。但我想用寬銀幕來拍一個普通人的故事，三個普通人的故事。 我刻意讓這樁殺人事件發生在荒郊野外；只有寬銀幕這個強調水平的規格才容納得下這個場地。在郊外，這個荒野神祕的世界，在寬銀幕這一個大畫布上，我選擇了一個非常個人而私密的故事。
長鏡頭：
我希望觀眾都能像臨場證人，見證在現場發生的一切，和女主角一起參與她的犯罪事件和親臨她的犯罪現場。一鏡到底的長鏡頭最接近臨場的感覺。我最後決定用四個不同時間的長鏡頭來陳述這十五分鐘的事件。
Steadicam + 長鏡頭：
我在最初一有故事想法時就跟攝影指導討論，覺得用steadicam的攝影方式可以帶給觀眾臨場感，讓觀眾近距離的涉入到女主角的角度；偷窺女主角，也偷窺女主角所偷窺的世界。攝影指導 Jake Pollock曾經到澳洲接受專業steadicam執照操作訓練。這部短片讓他把學到的技術派上用場。十分專業盡責的他，為了這次全程15分鐘steadicam的拍攝，跑步騎單車環島練習體能，只為了能揹起，架在steadicam上的攝影機加起來共三十多公斤的機器，且不停的拍攝近四分鐘的長鏡頭。
集體創作：
另外拍攝這部短片，收獲很多的是和演員們的集體創作。我們經歷八個月的排練， 把第一稿腳本的冗長對白慢慢刪減和精簡。排練中，高英軒， 柯奐如和王榆丹三個演員各自為這部片帶進許多細節及層次。令人慶幸的是，他們都是訓練有素，咬字清晰的年輕演員。對我來說，清晰的口條原本應該是一個專業演員的基本條件，雖然覺得在時下的風潮這項特質似乎不是特別討好。我很珍惜他們這項特質。
在這部片子中，這三個演員，因為是長鏡頭需要不中斷的表演，就像在舞台上表演。可是，當攝影師在動，他們的舞台也跟著不停的移動。在拍攝現場其實非常緊張。因為攝影師在動，現場三個演員也在走位，因此收音，燈光，道具，場務等工作人員 ，都得跟著動。在現場，在當下，集體創作的層次從三個演員，延伸到攝影師，到其他現場工作人員 。這是我拍“夏午“最寶貴的經驗。
“夏午”是這樣拍出來。
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